Atelier 231

La troupe de l'option théâtre spécialité arts de la rue des Lycées Sembat et Les Bruyères

Sylvain — 2026-04-29T12:49:29Z

Monstres

Monstres par la troupe de l'option théâtre spécialité arts de la rue des Lycées Sembat et Les Bruyères de Sotteville-lès-Rouen, mis en scène par Thylda Barès et Paul Colom du collectif In Itinere.

Sur une île, après un crash d'avion, des jeunes se retrouvent isolé.es, à devoir survivre. Faire groupe à vingt-trois, apprendre à chasser, faire du feu, lutter pour le pouvoir. Quels choix fait-on ? Qu'est-ce que cela raconte de nous ? À l'âge où l'on peut encore croire aux monstres, comment découvre-t-on que les monstres sont peut-être à l'intérieur de nous ?

Monstre est un spectacle librement inspiré du roman Sa Majesté des mouches de l'auteur britannique William Golding publié en 1954.

Partenaires

L'Atelier 231, Lycée Marcel Sembat et Lycée Les Bruyères à Sotteville-lès-Rouen, Direction Régionale des Affaires Culturelles

La troupe de l'option théâtre spécialité arts de la rue des Lycées Sembat et Les Bruyères

Un partenariat en faveur du théâtre de rue en milieu scolaire

Depuis 2010, L'Atelier 231 accompagne le lycée professionnel et technique Marcel Sembat de Sotteville-lès-Rouen dans le développement d'un enseignement optionnel théâtre, spécifiquement orienté vers les arts de la rue.

Ce partenariat ambitieux repose sur l'intervention de compagnies artistiques missionnées pour accompagner les enseignants dans la construction d'un parcours pédagogique et artistique sur trois années. Objectif : initier les lycéens à l'univers du théâtre de rue et les sensibiliser aux processus de création artistique en espace public.

Un enseignement au cœur du spectacle vivant

L'option théâtre s'articule autour de trois grands axes :

• Un socle théorique portant sur l'histoire du théâtre, pour ancrer les apprentissages dans une culture générale de la discipline.
• L'école du spectateur, qui confronte les élèves à des formes théâtrales en salle et en espace public, leur permettant d'affiner progressivement leur regard critique ;
• La pratique artistique, centrée sur l'exploration du jeu, des codes de la représentation, de l'espace scénique, et sur l'émergence d'un langage théâtral commun.

Au fil des années, les élèves approfondissent leur compréhension des enjeux de mise en scène, découvrent les spécificités du théâtre hors-les-murs, et sont invités à affirmer leur singularité d'acteur et de spectateur.

Une dynamique collective de création

Dès la classe de seconde, les élèves s'engagent dans un travail collectif de création aboutissant à une restitution publique. L'objectif : apprendre à créer ensemble, en expérimentant les différentes étapes de la production théâtrale. Ces restitutions peuvent avoir lieu dans l'enceinte du lycée ou à L'Atelier 231.

Un partenariat qui s'étend et se renforce

Ce projet est né en 2007 de l'initiative d'enseignants passionnés, désireux d'implanter durablement une pratique théâtrale vivante dans leur établissement. 12 ans plus tard, grâce à une convention inter-lycées établit en 2018, l'atelier ouvre désormais ses portes aux élèves du lycée des Bruyères, également situé à Sotteville-lès-Rouen. Le dispositif s'élargit, affirmant sa vocation à fédérer et à transmettre au plus grand nombre.

Pour une éducation ouverte aux arts de la rue

À travers ce dispositif, L'Atelier 231 réaffirme sa mission de transmission des esthétiques des arts de la rue et son engagement pour l'accès à la culture de futur.es jeunes adultes. Une manière concrète de former les spectateurs et créateurs de demain, en cultivant curiosité, exigence artistique et ouverture sur le monde.

Les Nouveaux Ballets du Nord-Pas de Calais

Sylvain — 2026-03-25T16:53:41Z

Le Madisoning Remix

Le Madisoning Remix est une création chorégraphique pour une place, 6 interprètes et un public en mouvement. Nourrie par les danses traditionnelles, les danses en ligne et l'imaginaire des fêtes de famille, le Madisoning Remix tente de brouiller les frontières entre populaire et contemporain en invitant le public à repenser notre danse commune.

Partenaires (en cours)

Aide à l'écriture : Projet sélectionné dans le cadre du dispositif "Hors cadres 2025" (association des Cnarep)

Coproduction : l'Atelier 231.

Avec le soutien de la DRAC Hauts-de-France, dans le cadre de l'aide à la Cie conventionnée. Production : en cours.

Les Nouveaux Ballets du Nord-Pas de Calais

Créés en 2016, basés à Lille, Les Nouveaux Ballets du Nord-Pas de Calais sont ainsi nommés à la manière d'une fumisterie DADA. La compagnie porte les spectacles de l'artiste Amélie Poirier. Elle y déploie une recherche pluridisciplinaire où des spectacles pour ados/adultes côtoient des spectacles adressés au jeune public ou plus récemment à l'espace public.

Dernièrement, elle présente par exemple le spectacle 20ème rue ouest au festival Viva Cité 2025. C'est avant tout le sens dramaturgique qui vient dessiner les contours des différents spectacles. La relation corps/objets est au cœur de la démarche de création de la compagnie.

Des arts de la rue comme origami de l'espace public et du féminisme comme modalité des plis

Sylvain — 2026-02-12T16:24:49Z

Explorer l'origami qui surgit

Ce samedi 28 juin, je suis arrivée tôt sur la place de l'hôtel de ville à Sotteville, sans intention d'assister tout de suite au programme de la 36e édition du festival Viva Cité qui a commencé la veille. Je me suis assise sur un muret, à un endroit où il ne se passe apparemment rien, et je laisse décanter les sons du jour d'avant pour qu'ils puissent finir leurs réverbérations en moi et se mêler aux mille et un bruissements de la journée qui commence. Je connais bien ce lieu, j'habite non loin. Je songe à cet article que l'Atelier 231 m'a proposé pour Réflexions en Suspension : comment le féminisme travaille-t-il les créations, le public, l'espace, dans un festival des arts de la rue en 2025 ? Est-ce que cela s'entend ? Depuis 20 ans j'écoute les espaces publics depuis ma position de femme cis, blanche, engagée dans les luttes sociales, aujourd'hui quadragénaire et valide : j'observe les dominations qui s'y exercent, les émancipations qui s'y ouvrent, l'inépuisable complexité du réel. Les endroits où il ne se passe rien ont ma prédilection, ceux où il n'est pas prévu que l'on s'installe en spectatrice : on peut y interrompre ses propres scripts et s'y rendre disponible à ce qui foisonne de toutes parts. Comme bien d'autres personnes pour de multiples raisons, il m'est plus difficile de me rendre à un événement qui m'assigne officiellement au rôle de spectatrice, mais les arts de la rue ouvrent les latitudes : je suis du public ou je n'y suis plus, je contribue ou je reste en retrait, je m'échappe ou je plonge, je reviens, je dérive. L'espace se compose en un origami tranquille, jamais fini, laissant apparaître des chemins imprévus, accessibles à toutes et tous.

Ce samedi matin, sur la grande place de l'hôtel de ville, les voitures habituellement garées là ont cédé la place à un entrelacs de barrières, de câbles électriques, de haut-parleurs, de structures métalliques, de caisses de transport, de techniciennes qui s'affairent, de comédiens qui s'échauffent. Des enfants crient de joie au milieu des fontaines au sol, la piscine des quartiers populaires. Un groupe prévu le soir a commencé ses répétitions sur un gros système son : la batterie surgit, s'éteint, recommence, au rythme des calages, tout cela s'accorde dans le paysage d'une matinée de fête. Un jeune trisomique, venu avec d'autres personnes handies [1] , se met à danser, et un vieil homme lui répond, tout sourire, par quelques pas de tango de l'autre côté de la pelouse. Comme moi, ils explorent les chemins ouverts par l'origami. Des ados du lycée du coin passent, l'air maladroitement assuré, l'air de n'être plus seulement des lycéens du coin : hier ils jouaient, dans le in, une pièce travaillée au fil des mois précédents avec le Groupe ToNNe [2]. Devant moi, sur les pavés, il y a des signes colorés au sol, ils marquent peut-être l'emplacement des accessoires d'un spectacle à venir – à moins qu'ils n'aient servi de repères scénographiques à des acrobates ? Deux danseuses s'activent depuis un moment parmi ces signes, elles répètent des séries de gestes, chacune de façon autonome, échangeant parfois quelques mots, attentives à ce qui se passe autour d'elles et concentrées, pourtant, sur leurs séquences mimées. L'une d'elle, installant la scène entre deux mouvements, vient poser un banc près de moi et le transforme aussitôt en petit pont pour venir me parler : ces gestes répétés, ils ont été recueillis par les membres de la compagnie Sauf le dimanche auprès de personnes passant là, à ces endroits marqués au sol. Ils permettront de composer la chorégraphie de ce soir, Assemblée. D'ailleurs, on est en phase de collecte, aurais-je envie d'échanger sur ce qu'on partage dans l'espace public et de donner un geste qui résumerait mon propos ? Je m'étais assise toute au bord de l'origami et me voilà rendue, d'un pli, au beau milieu.

Au fil de ce dialogue doucement brodé, je ne peux m'empêcher de penser aux surgissements spectaculaires qui caractérisaient les arts de la rue au moment de leur structuration professionnelle dans les années 1980, au moment aussi où ils se trouvaient majoritairement composés d'hommes blancs valides. On débarquait, on s'imposait, on en mettait plein la vue et plein l'ouïe, grandes formes, grosses machines, énergie virile [3]. Ici, comme dans le milieu artistique plus général, on érigeait la singularité et la dissidence en valeurs fondamentales, tout en reproduisant des formes de domination aujourd'hui questionnées plus frontalement. La chercheuse britannique Marie Thompson a par exemple produit un travail critique important, au sein du champ des musiques expérimentales et de l'écologie sonore, sur la masculinité blanche : elle a notamment soulevé que cette dernière se percevait comme transparente et universelle, utilisant cette représentation d'elle-même pour silencier d'autres perspectives [4].

Marie Thompson est maître de conférences en musique populaire à l'Open University (Royaume-Uni). Elle est l'autrice de Beyond Unwanted Sound : Noise, Affect and Aesthetic Moralism (2017)

Il faudrait écrire aussi l'histoire de la masculinité blanche dans les arts de la rue : comment elle s'inscrit dans une histoire populaire, celle de saltimbanques revendiquant un droit à la culture, à la ville, à la fête ; comment elle s'est construite en confrontation aux usages bourgeois du spectacle et de l'urbanisme ; comment elle s'est nourrie de l'épopée technique occidentale et l'a nourrie à son tour ; comment elle résulte, elle aussi, de siècles de mises à l'écart des femmes et de bien d'autres minorités ; comment elle les a poursuivies ; comment elle a évolué, à partir de la fin du 20e siècle, pour s'ouvrir à des modes de jeu et, en amont, de gouvernance, moins univoques.

Au moment de ma rencontre avec la compagnie Sauf le dimanche en ce samedi matin, me revient en tête le livre d'Estelle Zhong Mengal, Apprendre à voir [5]. L'historienne de l'art décrit comment la mode des récits héroïques d'explorateurs naturalistes à l'autre bout du monde, à la fin du 19e siècle, avait écrasé et renvoyé à l'oubli un mouvement antérieur instaurant une relation bien différente aux autres espèces et à soi-même : celui de femmes qui observaient l'environnement naturel depuis les espaces domestiques auxquelles elles étaient assignées, et qui s'attachaient à rencontrer les plantes qui vivaient là, à connaître leur nom pour ne plus « vivre en étrangère » parmi elles. « Nos lieux d'actions sont multiples : ce sont nos lieux de vie, nos lieux quotidiens. », écrit Sauf le dimanche, « Nous chorégraphions la rencontre » [6] . Nulle essence féminine ici, mais un rapport au monde enraciné dans une condition minorisée, commune à divers groupes sociaux : les enfants, les personnes handies, racisées, pauvres, déviant des normes de genre, vieilles, grosses, petites, malades… L'énumération pourrait se poursuivre longuement, car la norme, en réalité, ne s'incarne dans des corps que de façon rare et forcément éphémère. Elle sert à invisibiliser et délégitimer les variations infinies des manières de s'habiter soi-même et d'habiter le monde. Les arts de la rue font partie des milieux où il devient possible de les rendre perceptibles, de travailler la société par ses marges. Rien n'y est résolu en cette année 2025, rien ne pourra jamais y être achevé, mais des processus variés ont éclos, que l'approche féministe, entre autres, permet de repérer et d'activer. Dans les plis et contre-plis de ce que j'ai pu voir au festival Viva Cité cette année, des pas de côté s'opèrent, des récits sortent de l'effacement, des perspectives se renversent radicalement, des capacités d'agir jusque-là écrasées s'affirment, d'autres formes de relations et de créations s'inventent.

Comment le féminisme peut plier et déplier l'espace

Premier pli : la normativité, précisément, peut apparaître dans tout son grotesque et toute son oppression – celle des stéréotypes de genre et plus généralement celles qui entravent nos volontés d'émancipation. Le duo de Cris Clown, dans Home, exploite les ressorts du mime et du théâtre populaire pour mettre en relief les inégalités persistantes dans le travail domestique gratuit chez les couples hétérosexuels : bagarre frénétique et sans fin avec les corvées quotidiennes pour la femme, train-train éteint de tâches autocentrées pour l'homme. Un miroir à peine déformant posé face au public, l'invitant à déserter un modèle aussi étriqué : « 68 % des femmes font la cuisine ou le ménage chaque jour, contre 43 % des hommes » selon le dernier rapport de l'Observatoire des inégalités en France, en mars 2025. Dans Levántate, soulève-toi !, la compagnie Sale Gamine mobilise une figure féminine toute aussi hyperactive, mais dans une posture de libération illusoire cette fois. Elle met en scène les personnages de Mala chica (la mauvaise fille) et Molo chico (le garçon molasson) pour proposer une exubérante parodie musicale du capitalisme digérant les vellétités contestataires – et pour étriller au passage notre assentiment tacite. Un spectacle change-t-il des statistiques ? Pas tout à fait et pas tout seul, mais il rend justice, le temps d'une représentation, et sème d'autres manières de percevoir ce qui semblait inévitable ou naturel.

Deuxième pli : le prisme féministe, parmi d'autres, permet de fissurer les discours établis pour extraire des récits minorisés de leur longue suppression. Ainsi dans Les quatre côtés du miroir de la Youle Compagnie : jouée par une femme arabe, une femme noire, une femme blanche, la pièce s'appuie sur une collecte de témoignages pour donner voix à des aspects silenciés de la guerre d'Algérie. Par exemple les viols massifs qui s'y sont produits et les résistances qui s'y sont construites. Une exclamation et une image me restent : « Et les femmes ? Elles sont où les femmes ? Elles ont été nombreuses à se rouler dans la bouse. Elles se sont roulées dans la merde pour ne pas être emmerdées. Elles se sont balafrées pour devenir sorcières. » Les comédiennes ne cessent de s'interrompre mutuellement pour faire surgir des pans d'histoires invisibilisés. Le musicien-DJ varie les supports audios et les fait jouer avec les interventions en direct. La comédienne arabe se lance dans un énergique slam en arabe, elle me fait songer à ces concerts de free jazz où chaque instrumentiste trouve son moment d'impro en solo avant de revenir au jeu commun dans un fondu-enchaîné d'applaudissements. Le processus de justice sociale ne se termine jamais, il faut toujours lutter contre de nouveaux effacements et rendre leur voix à des personnes.

Troisième pli : les perspectives dominantes se trouvent renversées pour transmettre fierté et capacité d'agir à des personnes minorisées, et faire vaciller les groupes dominants sur leurs piédestaux de privilèges. Dans Superbe(s), le Group Berthe met en scène un moment de rééquilibrage collectif jubilatoire au beau milieu du passage entre deux bâtiments. Parmi les possibilités d'espaces très ouverts qu'offre le site de l'Atelier 231, c'est dans un endroit sous contrainte, comme un large couloir encadré d'une scène et d'une régie, que s'organise la dérive. Utilisant le féminin universel pour s'adresser au public, une comédienne anime la piste façon boîte de nuit démasculinisée. Tout le monde est invitée à marcher fièrement comme une mannequin et à expérimenter d'autres expressions de genre à travers la danse : « Bravo Magali, tu es devenue top model ! » lance la régisseuse-coach avant d'enchaîner sur un nouveau mouvement. Dans Préliminaires, pénétration, orgasme ?, la Centrifugeuse compagnie aborde cet empouvoirement par l'intime, à travers le monologue ironique d'une femme cis sur l'évolution de sa sexualité au fil des années. Les représentations et pratiques hétéronormées se voient étrillées comme un haut lieu de domination masculine, laissant place à d'autres types de rapports amoureux, sociaux et à soi-même. Le stand-up s'affirme comme outil d'éducation populaire, ancré dans les luttes féministes de la dernière décennie contre la culture du viol, #MeToo et #BalanceTonPorc. Contrairement à la plupart des autres créations, j'y perçois aussi les échos des combats intersectionnels et queers à l'intérieur du féminisme, pour le confronter aux réalités des personnes non blanches et non hétéras. De nouvelles normes s'instituent, déplaçant les frontières de ce qu'il est possible de penser, de dire, d'être, et de recevoir. Deux soirs, je tente d'accéder au spectacle de la danseuse Amy Wood, I want to break freak, deux soirs j'échoue, ainsi vont les tours et détours d'un festival – je crois qu'il aurait trouvé sa place ici.

Quatrième pli : le renversement se poursuit jusqu'à ouvrir au public des paysages inconnus, des perceptions inattendues, des relations nouvelles. Dans Rouge Merveille de la compagnie Rhizome, l'art du trapèze se transforme radicalement : la création a été conçue par une équipe de femmes, la structure porteuse évoque un stérilet géant, la vitesse et les saltos cèdent le terrain à la suspension et à la lenteur. La virtuosité se situe dans cette quasi immobilité, rendue possible par une grande maîtrise physique et psychologique. La suspensive [7] tient par une seule main à plusieurs mètres au-dessus du sol avec un tel naturel qu'une enfant s'exclame : « On dirait qu'elle marche dans l'air ! » L'origami se poursuit dans le ciel. Elle lit, là-haut, elle observe, elle « se laisse traverser par ce qui se passe dans le public », elle mène sa vie comme si elle n'était pas en train d'accomplir un exploit. En l'observant, je pense aux prouesses invisibilisées des conditions féminine, handie et bien d'autres, à ces tours de force constants auxquels elles obligent pour surmonter chaque jour mille obstacles et supporter mille charges, sans que cela ne soit aucunement reconnu ni valorisé. Je vois la suspensive danser là-haut, et me revient en tête le livre de Caroline Criado Perez, Femmes invisibles, dans lequel elle critique le design centré sur le modèle de l'homme valide moyen, de l'urbanisme aux médicaments en passant par la climatisation ou les outils, à l'exclusion de tous les autres corps et usages du monde. Elle y écrit par exemple : « Les femmes qui travaillent comme aides-soignantes, ou femmes de ménage, soulèvent parfois davantage de charges en une seule séance de travail qu'un ouvrier du bâtiment ou qu'un mineur. (…) Et quand ces femmes rentrent chez elles, c'est rarement pour se reposer : elles y entament une deuxième séance de travail, non rémunérée ... » [8] Un peu plus tard, la suspensive m'explique : « Le plus difficile, quand je suis suspendue, c'est d'arriver à la détente. Il y a beaucoup de tensions inutiles à nettoyer. Comme quand on lève les épaules pour couper les carottes, vous voyez ? »

Il y a toujours un autre pli

Je me laisse porter par le relief mouvant de Viva Cité, je traverse l'espace enfants, où jeux en bois, transats, tables de coloriage, tapis de jeux de construction et animations offrent un lieu accueillant pour les plus jeunes et leurs proches. Je me dis que les travaux de la géographe Édith Maruéjouls ont porté leurs fruits, elle qui travaille depuis plus de vingt ans à documenter les inégalités de genre dans les aménagements de l'espace public (rues, écoles, loisirs) et à imaginer des lieux inclusifs pour toutes et tous. Le féminisme, dans un festival, ne saurait demeurer une thématique parmi d'autres, pas plus que l'antiracisme ou l'antivalidisme : ce sont des manières de concevoir l'espace public, non pas comme reflet et réceptacle des dominations sociales, mais comme possibilité d'inventer et de mettre en œuvre un autre rapport aux autres et à soi-même, d'improviser collectivement de nouvelles manières de nous accorder. Un nouveau pli me ramène sur la place de l'hôtel de ville et au milieu d'un vaste cercle de public, la compagnie .Bart plonge dans Fièvre : six jeunes danseuses et danseurs se trouvent comme saisi·es par la musique, les rythmes saccadent leurs épaules, leurs bassins, leurs têtes, leurs pieds, en les prenant comme par surprise, en leur faisant traverser la ferveur, le plaisir, la puissance, l'agacement, le conflit, l'épuisement, l'entraide, la détermination, l'ouverture. Les catégories de genre semblent intégrées et débordées, chaque corps devient membre d'autres corps, c'est effrayant et magnifique à la fois, comme une mutation en vitesse accélérée ou au microscope. J'observe avec curiosité, en me disant que cette énergie collective pourrait ne jamais s'arrêter et nous emmener dans des endroits totalement imprévus.
Lors du spectacle de Sauf le dimanche, Assemblée, les gestes récoltés le matin se trouvent chorégraphiés, parlés, dessinés, mis en jeu, ils peuplent l'espace sous diverses formes. Parfois l'une ou l'autre membre de la compagnie sort de la scène pour devenir membre du public, avant de rebasculer au milieu du cercle. Une danseuse trace avec énergie une sorte de Z aplati et inversé au sol, elle interroge ses collègues et au-delà les spectateurs et spectatrices : à quel geste ce dessin vous fait-il penser ? Et les gestes imaginés viennent compléter les gestes récoltés. Puis elle en raconte la genèse réelle : c'était un ado racisé, l'un de ceux dont on dit qu'ils tiennent les murs, l'un de ceux qu'on trouve trop visibles, l'un de ceux qu'on diabolise. Quand elle est venue lui demander un geste, il a fait plusieurs fois ce grand mouvement horizontal des bras de part et d'autre du corps en disant : « On n'est rien, rien, rien, alors on reste là pour montrer qu'on existe au moins. » L'ado était présent au spectacle, dans le public, il était venu. Et j'y voyais un autre pli au croisement du féminisme et des arts de la rue, une manière inventive de refuser l'impossible, de remettre de l'ouverture là où tout semblait verrouillé. Comme le renversement, combatif ou ténu, d'un certain ordre établi, trois fois rien ou table rase. Comme l'exploration d'autres agencements de l'espace pour s'aviser qu'en effet, on peut y partager quelque chose de commun.

Par Juliette Volcler (jardinière, chercheuse indépendante et artiste sonore), Goupil (illustrateur), Coordination éditoriale : Sylvain Marchand

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[1] L'abréviation « handi·e » est couramment employée pour « handicapé·e » au sein des milieux antivalidistes, c'est-à-dire luttant contre les oppressions subies en raison d'un handicap réel ou supposé, contre l'idée que les personnes valides seraient supérieures aux personnes handies et pour de vraies accessibilités physiques et cognitives dans tous les espaces.

[2] Compagnie associée de l'Atelier 231 de 2023 à 2025.

[3] Sur l'histoire des arts de la rue, voir notamment les réflexions de Stéphanie Ruffier dans Déambulations théâtrales : Et toi, tu fais comment ?, coordonné par Mathurin Gasparini et publié en 2020 par le Groupe Tonne – Éditions 1000 Kilos.

[4] Marie Thompson, « Whiteness and the Ontological Turn in Sound Studies », Parallax, 23(3), 2017.

[5] Estelle Zhong Mengual, Apprendre à voir. Le point de vue du vivant, Actes Sud, 2021.

[6] Présentation de la compagnie Sauf le dimanche d'Emilie Buestel et Marie Doiret sur leur site Internet, saufledimanche.com, vu le 14/08/2025.

[7] Nom que se donnent entre elles les acrobates de la compagnie. Les citations de ce paragraphe ont été recueillies lors d'un entretien avec la suspensive Mélusine Lavinet-Drouet le 27/08/2025.

[8] Caroline Criado Perez, Invisible Women, Abrams Press, 2019, pp. 91-92.

Bélé Bélé

Sylvain — 2026-01-23T12:13:46Z

Holyworm

Holyworm est un spectacle écrit pour l'espace public de nuit, qui parle de la joie et de la puissance du collectif.

Dans cette fable théâtrale, des personnages vont se rencontrer et tenter de construire ensemble le début de quelque chose. Une utopie partagée qui les amènera à se dépasser dans ce qu'ils ne pratiquent pas forcément dans la vie, le lâcher prise, le vivre ensemble et l'art.

L'histoire racontée sera inspirée de l'Hétérotopie de Michel Foucault, de la Joie de l'ABCdaire de Deleuze et de la première édition du Burning Man.

Partenaires (en cours)

Coproduction et accueil en résidence : La Vache qui rue – Moirans en Montagne (39), Éclat/Le Parapluie – CNAREP à Aurillac (15), Le Boulon – CNAREP à Vieux Condé (59), l'Atelier 231 – CNAREP à Sotteville-lès-Rouen (76), Pronomade(s) – CNAREP en Haute-Garonne (31)

Soutien à la création : SACD/DGCA - bourse écrire pour la rue 2025

Bélé Bélé

La compagnie Bélé Bélé est dirigée par Sophie Deck. Bélé Bélé, ça veut dire « la grosse » en dioula (une des langues burkinabé). La grosse c'est personne en particulier. Mais si ça devait être quelqu'un, ce serait un peu la dinde, une marionnette qui nous accompagne dans plusieurs spectacles. La dinde serait une sorte d'alter égo. Elle ne fait référence à rien de cohérent, c'est un personnage absurde et attachant qui fait office de clown blanc.

La compagnie Bélé Bélé part souvent d'un environnement concret (cabane, station service...). Et puis, sous couvert d'une incontestable normalité, la narration prend une orientation onirique et extravagante. L'Homme et l'objet partagent un territoire scénique et le travail plastique défendu au sein de la compagnie est essentiel pour soutenir l'histoire des personnages.

Mycelium

Sylvain — 2026-01-22T17:56:51Z

Artemis61

"je suis née dans un département rural du Sud-ouest de la France
mes grands-parents paternels étaient paysans-chasseurs
je n'ai jamais tué d'animaux pour me nourrir (à part des huîtres et des moules)
j'ai déjà tué des animaux (surtout des insectes, et la plupart du temps en voiture)
j'ai plusieurs fois été considérée comme une proie, parfois avec brutalité
j'habite dans une grande ville
je suis considérée comme « artiste-écolo » par mon entourage
je suis maman d'une petite fille
je n'ai pas de chien
j'ai décidé de passer mon permis de chasse"

Albane Danflous - Comédienne, autrice et co-responsable artistique de la Cie Mycélium
par Atelier231 Atelier231

https://youtu.be/64Vx95jj9T4?si=JW_6ya23h5cB4TjA

Albane Danflous de la compagnie Mycélium mène une enquête artistique auprès de personnes, d'espèces et d'espaces concernées ou impactées par les pratiques de la chasse. Elle en tirera un récit intime dédié aux espaces publics, questionnant nos relations aux mondes sauvages et à la prédation.

Partenaires (en cours)

Co-productions : ALAREP, l'Ateline/laboratoire d'écriture à la Chartreuse de Villeneuve-lès-avignon, en cours...

Accueils en résidence : Ville de Domfront en Poiré (61) avec la DRAC Normandie, la Petite Pierre (32), CNAREP l'Atelier 231 (76), la Lisière (91).

Subventions en cours : aide à la création 2027 avec le CD61, aide à la création 2027 DRAC Normandie et Région Normandie, TRTC 2026 DRAC Normandie, Ecrire pour la rue.

Soutiens : L'Institut Agro - Campus de Florac (48) et leurs partenaires des Cévennes, association Territoires interstices (44), Festival Festiwild (26)

Mycelium

La cie Mycélium, théâtre de rue et de chemin à la croisée des arts et des sciences, écrit avec et pour les espaces publics, des spectacles et des projets de territoires questionnant avec humour et engagement nos liens à la biodiversité environnante.

Portée par un écologue et une comédienne, la cie Mycélium réunit une dizaine d'artistes et de techniciennes autour de créations originales et situées. En mêlant l'écriture documentaire et poétique, le pas de côté, l'écologie, la musique et les arts visuels, Mycelium partage des expériences théâtrales provoquant des rencontres interspécifiques dans les espaces publics.

Group Berthe

Sylvain — 2026-01-22T17:17:38Z

Résidence mutualisée avec la ville de Grand-Quevilly

Trust

Trust s'impose comme la saison 2 de Superbe(s). Après la confiance en soi, c'est la confiance en l'autre que la compagnie va explorer ici. Trust prendra la forme d'une comédie musicale techno, participative, joyeuse et parfois absurde, dans laquelle Group Berthe essayera de retrouver de l'espoir et du commun. Elle va chercher des pistes à travers : un récit collectif, de l'engagement, le sens critique, l'honnêteté pour repartir regonflés d'espoir et de ressources. Le public sera invité à participer régulièrement. Il deviendra décor, danseuses et danseurs, chanteuses et chanteurs, héros et acteur.ices. Ensemble, on va se retrousser les manches, et les shorts !

Partenaires (en cours)

Coproducteurs avec accueil en résidence : Association ALAREP (Association Lavalloise pour les Arts de la Rue et de l'Espace Public) ; L'Atelier 231 - CNAREP - Sotteville-lès-Rouen (76) ; Quelques p'Arts... CNAREP Auvergne-Rhône-Alpes - Boulieu-lès-Annonay (07) ; Ville de St Hilaire de Riez – Réseau La Déferlante (85) ; La Soufflerie – Scène Conventionnée de Rezé (44).

Soutiens avec apport en production et accueil en résidence : Bain Public – Saint Nazaire (44) ; Le Carroi - Menetou Salon (18) ; Ville de Grand Quevilly (76) ; Rue des Arts – Moulins (35).

Accueils en résidence : Nouveau Studio Théâtre – Nantes (44) ; La Maison Rose, ZAD de Notre Dame des Landes (44) ; Trempolino, Nantes (44) ; Le Quatrain – Haute-Goulaine (44),

Partenaires institutionnels : DRAC Pays de la Loire - aide à la création (en cours) ; Département de Loire-Atlantique - aide à la maquette 2025 , aide à la création 2026 (en cours) ; Ville de Nantes - aide à la maquette 2025, aide à la création 2026 (en cours).

Group Berthe

Créé en 2009 par Christine Maltête-Pinck, Group Berthe propose des spectacles de rue, à la croisée de plusieurs disciplines, dans une profusion d'énergie et de moyens d'expression : le corps, la danse, la parole, le dialogue, la musique avec une dimension plastique importante.

La mise en scène de l'intime, de la place et du rôle de chacun.e dans nos sociétés contemporaines sont les problématiques essentielles du travail de la chorégraphe et de la compagnie.

Les spectacles du Group Berthe ont lieu au cœur de l'espace public, dans l'échange de regards et de pratiques. Il n'est pas seulement question de donner à voir, mais de partager une expérience commune. L'intime est mis en scène sur la place publique.

Roman Skadra

Sylvain — 2026-01-16T15:36:12Z

Artiste co-produit dans le cadre du programme IN SITU PLATFORM, un projet cofinancé par le programme Europe Créative de la Commission européenne.

La Visite de chantier aura lieu en extérieur, pensez à vous couvrir chaudement.

IM BAU

IM BAU est un mélange d'installation, de performance et d'action participative, conçu pour les espaces publics. Dans l'esprit d'un chantier de construction, le projet fonctionne comme une exposition axée sur le processus de (re)montage d'une sculpture composée de poutres en bois et d'haltères en fer.

L'œuvre n'existe que grâce à la participation active du public, l'objectif étant de partager l'expérience du déplacement de la sculpture d'un endroit à un autre, plutôt que de se contenter d'observer l'artiste au travail. La frontière entre le public et l'artiste s'estompe, car toutes les personnes présentes participent à la création. Le projet met l'accent sur la fonction pragmatique du transport et la nature méditative du travail physique monotone, tout en favorisant les thèmes de la solidarité et de la coopération.

Appel à Participant.es

L'artiste Roman Skadra propose des ateliers participatifs pour créer son futur spectacle IM BAU.

📅 Dates des Ateliers (ouverts à tous, à partir de 10 ans) :
Inscrivez-vous à un ou plusieurs ateliers, au choix.

Jeudi 12 mars de 10h à 13h
Vendredi 13 mars de 17h à 19h
Mardi 17 mars de 17h à 19h
Mercredi 18 mars de 10h à 13h :
Mercredi de 17h à 19h : répétition générale
et Jeudi 19 mars de 17h à 20h : Visite de chantier - restitution publique

📩 Inscriptions et informations : jeannevaillant@atelier231.fr

Partenaires (en cours)

Soutenu par le Fonds Darstellende Künste avec des fonds du délégué du gouvernement fédéral à la culture et aux médias dans le cadre du programme NEUSTART KULTUR

Soutien à la coproduction : Coproduit par IN SITU PLATFORM, cofinancé par le programme Creative Europe de l'Union européenne

Résidences : Ville de Detmold, Atelier 231 - Centre national des arts de la rue et de l'espace public, SE.S.TA - Centre pour le développement chorégraphique, Domaine provincial Dommelhof

Roman Škadra

Roman Škadra (1985) est un jongleur et créateur de cirque slovaque. En 2018, Roman a conçu ABSURD HERO, sa première pièce de théâtre intégrale (première : 2021). Dans son deuxième solo, GIREVIK (première : 2024), Roman poursuit son exploration de la relation entre le corps et l'objet et s'interroge sur l'impact esthétique de l'effort physique. Roman crée des œuvres qui remettent en question la perception conventionnelle du cirque, se situent à la croisée de différentes formes d'art et sont destinées à être présentées dans des contextes variés. Le thème central de ses pièces est l'absurde et ses performances se caractérisent par une intense implication physique. Il se concentre actuellement sur l'art participatif et spécifique à un site. Depuis 2025, il est artiste associé du Centre pour le développement chorégraphique SE.S.TA. Sa dernière création, IM BAU, a été sélectionnée et coproduite par IN SITU - Plateforme européenne pour les créations artistiques dans l'espace public.

KRA

Sylvain — 2025-12-18T15:00:27Z

Artiste co-produit dans le cadre du programme IN SITU PLATFORM, un projet cofinancé par le programme Europe Créative de la Commission européenne.

Mission Arnold Schwarzenegger

Mission Arnold Schwarzenegger est une performance dans l'espace public conçue comme un tournage de film en direct, qui se déploie par épisodes de ville en ville. Le projet explore la manière dont les mythes héroïques façonnent notre réponse culturelle à la crise climatique, ainsi que les raisons pour lesquelles la société continue de croire en des figures masculines puissantes même lorsque leurs promesses échouent. Schwarzenegger apparaît comme une présence symbolique tout au long de l'œuvre, une figure ambivalente de force et d'aspiration qui a grandi dans le même petit village que les deux artistes.

Face à l'épuisement climatique, à la culpabilité, au sentiment d'accablement et à la paralysie, le projet ouvre un espace d'imagination partagée plutôt que de messages figés. Chaque épisode s'inspire de son environnement et se concentre sur la mobilité, la culture automobile et les infrastructures du quotidien. La performance se déploie comme un plateau de tournage ouvert, où le public devient membre de l'équipe et découvre comment l'action collective peut rendre quelque chose possible.

Partenaires (en cours)

Soutien : Government of Styria / City of Graz / Federal Arts and Culture Funding (Austria)

Co-productions : steirischer herbst / IN SITU Platform / Theaterland Steiermark / News Off Styria

Accueil en résidence : Østfold Internasjonale Teater, Fredrikstad, Norway / Atelier 231, France

Festivals Partenaires : Giornate del Respiro, Sardegna, Italy / PIT Festival, Norway / Oerol Festival, Netherlands / ODA Festival, Pristina, Kosovo / Passage Festival, Elsinore, Denmark / Fira Tàrrega, Spain

KRA

KRA est un collectif qui développe des projets interdisciplinaires situés à mi-chemin entre le théâtre, la satire et l'action politique. Son travail repousse les frontières entre fiction et réalité, mobilisant l'humour pour interroger les récits établis. Qui peut réellement sauver le monde ? Qui est entendu ? Et quelles histoires choisissons-nous de croire lorsqu'il s'agit de notre avenir ?

Au cœur de leurs projets se trouve une prémisse à la fois audacieuse et ironique : le collectif prétend résoudre tous les conflits mondiaux. Cette ambition volontairement excessive devient un outil artistique permettant d'examiner de manière critique les structures de pouvoir et les récits salvateurs. Les performances de KRA prennent souvent place dans des espaces non théâtraux, bousculant les dynamiques traditionnelles entre public et artistes et recontextualisant les enjeux sociaux à travers des formes narratives participatives.

Eva Ordóñez - Cirque Pardi !

Sylvain — 2025-12-17T17:08:57Z

Bleu électrique

Ici dans Bleu Électrique, un air cinématographique plane. Les personnages sont là, à la lisière entre les poubelles et l'oubli. Sous une laideur apparente qui reflète un quotidien cru, Bleu Électrique transcende vers une beauté et une légèreté oniriques. Ici, l'humanité est dépeinte dans toute sa splendeur, sa cruauté et son absurdité. En s'attaquant aux sentiments humains fondamentaux, Bleu Électrique porte un regard cru et sans concession sur la réalité, tout en nous invitant parfois, dans un même élan, à rêver, même si aucune recette miracle n'est livrée. Avec puissance, sarcasme et humour, le public est plongé dans cette comédie humaine, à la fois absurde et profonde.
Tout cela est bien déconcertant.

Partenaires (en cours)

Coproductions et résidences : La Grainerie, fabrique du cirque et de l'itinérance, Balma (31) / PNC Le Palc, Châlons-en-champagne (51) / CNAREP Pronomade(s), Encausse-les-Thermes (31) / CNAREP Atelier 231, Sotteville-lès-Rouen (76)

Coproduction : Université Jean Jaurès, Toulouse (31)

Accueil en résidence : CNAREP L'Usine, Tournefeuille (31) / Roca Umbert, Fàbrica de les Arts, Granollers, Espagne / Konvent, Centre Culturel, Berga, Espagne / Kulturkosmos, Festival At.tension, Lärz, Allemagne / Ax Animation, Ax-les-Thermes (09)

Subventions : DRAC Occitanie / La ville de Toulouse (en cours) / Le conseil départemental de Haute-Garonne (en cours) / Région Occitanie (en cours) / DGCA (en cours)

Projet de coopération transfrontalière Eko - Pyrénées de cirque, cofinancé par le FEDER (POCTEFA).

FAI-AR, Formation Supérieure d'Art en Espace Public, Marseille (13)
Jeune Cirque National

Bleu électrique est soutenu par IN SITU, la plateforme européenne pour la création artistique dans l'espace public, dans le cadre du projet PLATFORM (2025-2028), cofinancé par le programme Europe créative de l'Union européenne.

Eva Ordóñez - Cirque Pardi !

Cirque Pardi ! est un collectif de cirque moderne fondé en 2011 à Toulouse qui réunit une vingtaine d'artistes, de technicien·nes et de constructeur·ices. En mêlant l'énergie brute du cirque contemporain à des univers visuels puissants et des dramaturgies ciselées, Cirque Pardi ! propose des spectacles à la fois poétiques et engagés sous chapiteau (Borderland 2014, Low Cost Paradise 2019, Flux 2027) et dans l'espace public (Rouge Nord 2018, Bleu Électrique 2026, Chiennes 2027).

Hyacinthe Hennae

Sylvain — 2025-12-17T17:08:19Z

Artiste co-produit dans le cadre du programme IN SITU PLATFORM, un projet cofinancé par le programme Europe Créative de la Commission européenne.

Parades

Parades invite ses protagonistes amateur.ices à s'unir et à se faire hôtes à l'endroit même où ils subissent différentes formes de harcèlement : les espaces publics. En y rejouant métaphoriquement leur vie sur une bande sonore musicale jonchée de témoignages multilingues de vécus réels et concrets, ils offrent un spectacle courageux, généreux, touchant et rassembleur.

Cachant de prime abord leur apparences, à l'instar des différentes armures auxquelles iels ont parfois recours, iels se dévoilent progressivement et osent, ensemble, nouer des liens entre iels, avec les spectateurs et les passants, pour finalement apparaître comme un groupe puissant. Les allié.es trouvés autour d'eux seront bientôt appelés à les aider, à construire et à façonner un espace éphémère d'échange et de cérémonie.

Au milieu de cet « espace sûr », si tant est que de tels endroits existent, les protagonistes de Parades nous invitent toustes à écouter leurs voix généralement tues, avant de rassembler dans un rite de passage co-créé prenant l'allure d'une danse traditionnelle collective.

Hyacinthe Hennae - Performeuse et artiste polymorphe
par Atelier231 Atelier231

https://youtu.be/1OvJGaNRREk?si=97EHoH8ds2tMkPWM

Appel à participant.es

L'artiste Hyacinthe Hennae propose des ateliers participatifs pour créer son futur spectacle Parades autour des discriminations en espace public.

📅 Dates des Ateliers (ouverts à tous) :
Inscrivez-vous à un ou plusieurs ateliers, au choix.

Mardi 24 février 17h à 19h : Atelier théâtre et jeux de rôles
Mercredi 25 février de 14h à 16h : Atelier théâtre et jeux de rôles
Jeudi 26 février 17h à 19h : Atelier théâtre et jeux de rôles
Lundi 02 mars de 17h à 19h : Atelier danse et jeux de rôles
Mardi 03 mars de 17h à 19h : Atelier danse et jeux de rôles
Mercredi 04 mars de 17h à 19h : Répétition générale
et Jeudi 05 mars de 17h à 20h : Visite de chantier - restitution publique

📩 Inscriptions et informations : jeannevaillant@atelier231.fr

Partenaires (en cours)

Avec l'aide de : la Fédération Wallonie-Bruxelles, Service Général de la Création Artistique – Service des Arts Forains, du Cirque et de la Rue.

Coproduction : Atelier 231 (France), Provinciaal Domein Dommelhof (Belgique), Čtyři dny / 4+4 Days in Motion (République tchèque), C.E.C Wolubilis (Belgique), La Balsamine (Belgique), Cifas (Belgique).

Soutien : Artopolis / PLACCC Festival (Hongrie), Maison Européenne des Artistes Auteurs (Belgique).

Hyacinthe Hennae

Hyacinthe Hennae développe une pratique polymorphe à la croisée de la performance et des dispositifs participatifs, avec une attention particulière portée à l'espace public et aux publics non professionnels. Son travail envisage ces contextes comme des espaces de transformation, d'émancipation et d'expérimentation collective.

Sa démarche s'appuie sur la transmission, le jeu et l'expérience partagée, en proposant des cadres de création qui déplacent les frontières entre interprètes et spectateurs. À travers des performances in situ et des formats participatifs, elle interroge les usages des lieux et les modes d'engagement du public.

Plus récemment, son travail s'enrichit de formes de fiction immersive et de jeu de rôle grandeur nature, ouvrant de nouvelles modalités de narration et renforçant la dimension transformative de ses projets.